「葉栗剛の流儀」 森本悟郎
樹木の良材に恵まれた日本では、世界に類例を見ないほど木彫が独自の発展を遂げた。もちろん石、粘土、乾漆、金属、陶やテラコッタ、近年は合成樹脂などを材料とする作品も少なくないが、国内にある古代から現代までの彫刻の大多数（その多くは仏像）は木彫であり、葉栗剛はその木彫を唯一の手段とするアーティストである。
私の知っている最も古い葉栗作品は90年代初め頃からのミュージシャンシリーズ（図1）である。これは楽器を持った人物をモダンでポップ（通俗的）に造形したもので、陽気で明るい印象をもっている。次いで90年代の終わり頃から取り組んだのが、ヤンキーと呼ばれる不良青少年たちのシリーズ（図2）で、木刀を手にした暴走族やタバコを銜えてウンコ座りする彼らは、ミュージシャンたちに比べるといささか屈託しているもののそれほど深刻な感じはない。それらは2000年代半ばを過ぎるとギャングやヤクザ（図3）に昇格（？）し、眉根にしわを寄せた些か陰のあるアウトローのシリーズ（図4）となる。刺青が入るのはここからである(その代償というわけではあるまいが、2年ほど遅れて興福寺の天灯鬼など仏像系の作品も試みている)。2010年代に入ると刺青は、祭御輿の担ぎ手も纏うことになる。この刺青は葉栗の内弟子でアシスタントでもある長崎美希によるものである（長崎は自身独立した作家として、注目すべき活動を展開していることを付記しておく）。
アウトローもお祭りも現在なお続くシリーズであるが、昨年(2013年)からそれに並行して、曾我蕭白の『鉄拐仙人図』（図5）(ボストン美術館蔵)や歌川国芳『通俗水滸伝豪傑百八人之一人 花和尚魯知深初名魯達』など江戸絵画をモティーフとして、平面から立体をつくるという試みを始めている。洋の東西、その方法は異なるものの、絵画は現実空間をいかに平面に写すかということに腐心し、その技法を次々と編み出してきた。葉栗（の独創というわけではないが）はその逆を行おうというのである。これには描かれた人物の両側面や背面への繋がりをイメージする能力が求められる。
葉栗作品にはこのようなモティーフの変遷にもかかわらず、そこに通底しているのは巧まざるユーモアに支えられたポップ感覚だ。いつも木彫の可能性を追求している葉栗剛にとって、新たなモティーフを求めるのは自然な成り行きで、そのつどより困難な課題を引き受けているように思われる。
作品を制作するに際してデッサンをしない、下図をつくらない、マケットをつくらないというのが葉栗剛の制作流儀である。作家の頭の中で作品構想が固まりさえすれば直ちに彫りはじめ、作るのは早いとの由。しかし「頭の中で作品構想が固まる」までにはイメージの熟成が必要で、それには相応の時間が必要だともいう。下図やマケットのような視覚的手掛かりなしに、いきなりかたちを生成させる頭というのはいったいどのような構造をしているのだろうか、と私は葉栗作品を観るたびに考えさせられるのだが、いろいろ考えた末、まことに抽象的解釈ではあるが、作家が脳内で作品イメージを熟成させるうちに、街で見かけたアウトローや絵画の人物がいわば葉栗化（Hagurization）され、それによって新たなかたちを与えられるや、あとはアウトプットを待つだけになる、というプロセスを想定することになった。現実に存在する人物の観察からであろうが、他人の作品に触発されようが、葉栗剛にとっては同じ造形プロセスだというわけである。
さて、葉栗剛の木彫は「一木造り」ではなく「寄せ木造り」である。一木造りは一本の木材から全体を彫り出す方法であり、作品のサイズは原木のサイズに限定される。それに対して、11世紀に仏師定朝が完成させたとされる寄せ木造りは、複数の木材を組み合わせてつくる方法で、作品の大きさが材のサイズに限定されず、比較的軽量かつ堅牢に作ることができ、動勢表現にも向いている。葉栗剛はその方法によって、2メートルを超えるものから小型の作品までを自在に造りだす。しかしそのためにはどのように部材を組み合わせて全体を構成するかという、建築家のような構造的力学的な構想力が求められもする。驚くべきことに葉栗はこの課題も頭の中で作品イメージとともに解決させているのだという。さらに寄せ木造りの特性として、塑像が粘土を芯材につけて造形するように、ただ彫るばかりでなく木材をつけ加えることもできる。この自在さが葉栗作品の力強さや動きのある表現にどれほど貢献しているか知れない。
葉栗は日本の伝統的木彫技法に則りながら、伝統的表現に捕らわれることのない、自由な発想で作品作りに取り組んでいる彫刻家の一人であるが、その重要性はひとえに「風俗彫刻」を確立したことにある。このところの浮世絵への接近は、時代を超えて風俗を記し留めることへの共感があるのではないだろうか。風俗（通俗的時代表象）を描くことの楽しさと高貴さを葉栗剛は示している。
図1 (fig.1)
《ロックやろうぜ!》
"Let's Rock!"
木彫 楠木
Wood sculpture, campho
H170.0cm
1995
図2 (fig.2)
《風景より・・・》
"from a landscape"
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, campho, paint
H196.0cm
2003
図3 (fig.3)
《かれすすき》
"Withered grass"
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, campho, paint
H63.0cm
2008
図4 (fig.4)
《OUTLAW》
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, campho, paint
H56.0cm
2008
図5 (fig.5)
《仙人》 曾我蕭白画「鉄拐仙人図」より
"Daoist lmmortal" from Soga Shohaku's "The Daoist lmmortal Li Tieguai"
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, camphor, paint
H42cm
2013
（もりもと ごろう）
■森本悟郎 Goro MORIMOTO
1948年愛知県に生まれる。1971年武蔵野美術大学造形学部美術学科卒業。1972年同専攻科修了。小学校から大学までの教職を経て、1994年から2014年3月末日まで中京大学アートギャラリーキュレーター。展評、作品解説、作家論など多数。
葉栗剛
1. 〈男気〉 《祭りより・・・》
‘Otokogi (Chivalry)’ "“From a Matsuri(Festival)..."
木彫（寄木つくり）楠木、彩色
H210.0cm
2013 Signed
葉栗剛
7. 《張順》
歌川国芳画「通俗水滸伝豪傑百八人之一人 浪裡白跳張順」より
"Chojun (Zhang Shun)"
from Kuniyoshi Utagawa's "Zhang Shun in the white streak of waves - from One of the One Hundred and Eight Heroes of the opular Suikoden"
木彫 楠木、彩色
H39.0cm
2014 Signed
---------------------------
"Haguri's Work" Goro MORIMOTO
Blessed with ample supplies of high-quality wood, Japan has developed for itself a unique culture of woodcarving, that has no parallel anywhere else in the world. Of course, sculptures made from stone, clay, dry lacquer, metal, porcelain, terracotta, and, in recent years, synthetic resin, are far from uncommon. Yet, from ancient time right through until the present, the great majority of Japanese sculpture has been made of wood—particularly sculptures of Buddhas. As a sculptor who works exclusively in wood, Takeshi Haguri is continuing this tradition.
The earliest of Haguri's work I am familiar with is his 'Musicians' series(fig.1) from the early 1990s. The musicians are carved in a modern, popular style, and have a cheerful energy to them. Toward the latter half of the 1990s, Haguri began working on a series depicting the delinquent youths known in Japan as ’Yankees’(fig.2). This time, the figures—motorcycle gang members brandishing wooden swords, or men squatting slovenly for a smoke—have a somewhat more carefree air than the musicians, but they are still not desperately serious in feel. Crossing over into the 2000s, Haguri upped his game to tackle gangsters and members of the yakuza(fig.3) as part of his 'Outlaws' series(fig.4), and here the frowning men have a distinct darkness hanging over them. It was around that time that tattoos made an appearance in Haguri's work. Interestingly, two years after that, the artist started to look to Buddhist subject matter as inspiration for sculptures such as his rendition of the lantern-bearing Tentoki devil from Kofuku-ji Temple—though this was definitely not an attempt to compensate for the tattoos. Into the 2010s, and the tattoos now also appear on the bodies of those carrying the portable mikoshi shrines at matsuri, or festivals. The tattoos are created by Haguri's apprentice and assistant, Miki Nagasaki—whose own works, it is worth noting here, also merit attention.
Both the 'Outlaws' and the 'Matsuri' series are still ongoing, but in 2013 Haguri also began creating sculptures that take figures appearing in works of art from the Edo period (1603-1867), such as Soga Shohaku's The Daoist Immortal Li Tieguai (fig.5)(Museum of Fine Arts, Boston Collection) and Kuniyoshi Utagawa's Lu Zhishen from his One Hundred and Eight Heroes of the Popular Suikoden, and bring them into three dimensions. Although techniques have differed between the East and the West, the fundamental concern of painting has been to develop a host of techniques so as to better recreate three-dimensional reality on a flat surface. Haguri's idea, though admittedly not his originally, is to reverse this process. The task calls for the ability to imagine with clarity the reverse and side-on views of people who appear only from the front in the picture.
Regardless of the transitions in the subjects he chooses to depict, the thing that all Haguri's works have in common is a popular sensibility, underwritten by an uncomplicated sense of fun. For Haguri, who is always pushing the envelope of what is possible for woodcarving, looking for new themes is a natural process, and each time the subject he alights on seems more troublesome than the last.
It is part of Haguri's way of working not to make sketches, plans or maquettes before he begins carving. So long as the concept for the piece has taken shape within his mind, he is able to begin working. This is one of the reasons why the artist produces pieces so quickly. However, his idea for the work needs to develop properly before this is possible, and this maturation process can apparently take quite a long time. When I look at Haguri's work, I always wonder what on earth goes on inside his head to enable him to create such things out of the blue, without the aid of any visual props such as maquettes or plans. After trying out various theories, the very abstract conclusion that I have come to is that, while the artist is allowing the image to mature in his mind, the 'outlaws' he has spotted around town and the pictures he has seen undergo a process that we might call 'Hagurization', whereby they take on a new form, and then simply wait to be expressed as output. The creation process is the same for Haguri whether it results from a consideration of others' works or from his observation of real people.
Haguri's does not carve his figures from a single tree trunk, as this inevitably limits the size of the work that can be produced. Instead, he uses the yosegi technique devised in the 11th century by the Buddhist sculptor Jocho, where the sculpture is carved from a number of woodblocks joined together. Carving a single figure from multiple pieces of wood in this way means that the size of the work is not restricted by the height and girth of the individual trees used. Moreover, the yosegi technique produces sculptures that are both relatively lightweight and durable, and it is suitable for creating sculptures depicting movement, giving Haguri the freedom to create a range of works, from small-scale pieces to towering figures over two meters tall. However, this method of working demands the conceptual capacities of an architect, both structurally and a mechanically speaking, as the sculptor must think about how to put the different pieces of wood together in order to create the whole. Amazingly, Haguri accomplishes this feat in his head, while working through and resolving the image for himself. One of the key features of the yosegi technique is that wood can also be added to the sculpture, not merely carved away, in much the same way as one making a sculpture from clay can add pieces to a central core. It is difficult to know just how much this freedom of creation contributes to the force and movement we see in Haguri's sculptures.
Takeshi Haguri is a sculptor who uses the traditional techniques of Japanese wood carving, and yet he is also a sculptor who manages to approach the act of creation with a free mind, rather than being taken prisoner by traditional forms of expression. This is crucial, because it is thanks to this that he has established what we might call 'genre sculpture'. It seems highly likely that Haguri's recent venturing toward the world of ukiyo-e, the genre pictures of the Edo period, ensues from a perceived similarity in purpose: that of recording the culture of the times, even if the 'times' in question are utterly different. Haguri's works affirm the joy and the nobleness to be found in the popular form of contemporary representation that is genre art.
（Translated by Polly BARTON）
Goro MORIMOTO
Born 1948 in Aichi, Japan. Graduated from the department of art in the faculty of design at Musashino Art University in 1971. In 1972, graduated from the graduate school of art and design. After working as a teacher from elementary schools to universities, he worked as a curator at Chukyo University between 1994 to March 2014. Author of numerous exhibition reviews, commentaries and artist theories.
◆ときの忘れものは2014年5月14日[水]―5月31日[土]「葉栗剛展」を開催しています（＊会期中無休）。
名古屋で活動をしている木彫作家・葉栗剛による彫刻展を開催します。本展では、2体の大作〈男気〉シリーズを中心に、7点の木彫作品をご覧いただきます。ときの忘れものでは初めての個展となります。
5月14日(水)、17日(土)、18日(日)、19日(月)、29日(木)、30日(金)、31日(土)は葉栗さんが在廊しておりますので、是非お出かけ下さい。
●カタログのご案内
『葉栗剛展』カタログ
ときの忘れもの 発行
2014年
25.7x18.3cm 16P
執筆：森本悟郎
本体価格864円（税込） 送料別途250円
●イベントのご案内
5月17日（土）17時より葉栗剛さんと森本悟郎さん(表現研究・批評)を迎えてギャラリートークを行ないます。
※要予約（会費1,000円）お申込はメールまたは電話でどうぞ。
※必ず「件名」「お名前」「連絡先（住所）」を明記の上、お申込ください。
info@tokinowasuremono.com
トーク終了後の18時より開催するレセプション(予約不要）にはどなたでも参加できますので、お誘いあわせのうえお出かけください。
樹木の良材に恵まれた日本では、世界に類例を見ないほど木彫が独自の発展を遂げた。もちろん石、粘土、乾漆、金属、陶やテラコッタ、近年は合成樹脂などを材料とする作品も少なくないが、国内にある古代から現代までの彫刻の大多数（その多くは仏像）は木彫であり、葉栗剛はその木彫を唯一の手段とするアーティストである。
私の知っている最も古い葉栗作品は90年代初め頃からのミュージシャンシリーズ（図1）である。これは楽器を持った人物をモダンでポップ（通俗的）に造形したもので、陽気で明るい印象をもっている。次いで90年代の終わり頃から取り組んだのが、ヤンキーと呼ばれる不良青少年たちのシリーズ（図2）で、木刀を手にした暴走族やタバコを銜えてウンコ座りする彼らは、ミュージシャンたちに比べるといささか屈託しているもののそれほど深刻な感じはない。それらは2000年代半ばを過ぎるとギャングやヤクザ（図3）に昇格（？）し、眉根にしわを寄せた些か陰のあるアウトローのシリーズ（図4）となる。刺青が入るのはここからである(その代償というわけではあるまいが、2年ほど遅れて興福寺の天灯鬼など仏像系の作品も試みている)。2010年代に入ると刺青は、祭御輿の担ぎ手も纏うことになる。この刺青は葉栗の内弟子でアシスタントでもある長崎美希によるものである（長崎は自身独立した作家として、注目すべき活動を展開していることを付記しておく）。
アウトローもお祭りも現在なお続くシリーズであるが、昨年(2013年)からそれに並行して、曾我蕭白の『鉄拐仙人図』（図5）(ボストン美術館蔵)や歌川国芳『通俗水滸伝豪傑百八人之一人 花和尚魯知深初名魯達』など江戸絵画をモティーフとして、平面から立体をつくるという試みを始めている。洋の東西、その方法は異なるものの、絵画は現実空間をいかに平面に写すかということに腐心し、その技法を次々と編み出してきた。葉栗（の独創というわけではないが）はその逆を行おうというのである。これには描かれた人物の両側面や背面への繋がりをイメージする能力が求められる。
葉栗作品にはこのようなモティーフの変遷にもかかわらず、そこに通底しているのは巧まざるユーモアに支えられたポップ感覚だ。いつも木彫の可能性を追求している葉栗剛にとって、新たなモティーフを求めるのは自然な成り行きで、そのつどより困難な課題を引き受けているように思われる。
作品を制作するに際してデッサンをしない、下図をつくらない、マケットをつくらないというのが葉栗剛の制作流儀である。作家の頭の中で作品構想が固まりさえすれば直ちに彫りはじめ、作るのは早いとの由。しかし「頭の中で作品構想が固まる」までにはイメージの熟成が必要で、それには相応の時間が必要だともいう。下図やマケットのような視覚的手掛かりなしに、いきなりかたちを生成させる頭というのはいったいどのような構造をしているのだろうか、と私は葉栗作品を観るたびに考えさせられるのだが、いろいろ考えた末、まことに抽象的解釈ではあるが、作家が脳内で作品イメージを熟成させるうちに、街で見かけたアウトローや絵画の人物がいわば葉栗化（Hagurization）され、それによって新たなかたちを与えられるや、あとはアウトプットを待つだけになる、というプロセスを想定することになった。現実に存在する人物の観察からであろうが、他人の作品に触発されようが、葉栗剛にとっては同じ造形プロセスだというわけである。
さて、葉栗剛の木彫は「一木造り」ではなく「寄せ木造り」である。一木造りは一本の木材から全体を彫り出す方法であり、作品のサイズは原木のサイズに限定される。それに対して、11世紀に仏師定朝が完成させたとされる寄せ木造りは、複数の木材を組み合わせてつくる方法で、作品の大きさが材のサイズに限定されず、比較的軽量かつ堅牢に作ることができ、動勢表現にも向いている。葉栗剛はその方法によって、2メートルを超えるものから小型の作品までを自在に造りだす。しかしそのためにはどのように部材を組み合わせて全体を構成するかという、建築家のような構造的力学的な構想力が求められもする。驚くべきことに葉栗はこの課題も頭の中で作品イメージとともに解決させているのだという。さらに寄せ木造りの特性として、塑像が粘土を芯材につけて造形するように、ただ彫るばかりでなく木材をつけ加えることもできる。この自在さが葉栗作品の力強さや動きのある表現にどれほど貢献しているか知れない。
葉栗は日本の伝統的木彫技法に則りながら、伝統的表現に捕らわれることのない、自由な発想で作品作りに取り組んでいる彫刻家の一人であるが、その重要性はひとえに「風俗彫刻」を確立したことにある。このところの浮世絵への接近は、時代を超えて風俗を記し留めることへの共感があるのではないだろうか。風俗（通俗的時代表象）を描くことの楽しさと高貴さを葉栗剛は示している。
図1 (fig.1)
《ロックやろうぜ!》
"Let's Rock!"
木彫 楠木
Wood sculpture, campho
H170.0cm
1995
図2 (fig.2)
《風景より・・・》
"from a landscape"
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, campho, paint
H196.0cm
2003
図3 (fig.3)
《かれすすき》
"Withered grass"
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, campho, paint
H63.0cm
2008
図4 (fig.4)
《OUTLAW》
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, campho, paint
H56.0cm
2008
図5 (fig.5)
《仙人》 曾我蕭白画「鉄拐仙人図」より
"Daoist lmmortal" from Soga Shohaku's "The Daoist lmmortal Li Tieguai"
木彫 楠木、彩色
Wood sculpture, camphor, paint
H42cm
2013
（もりもと ごろう）
■森本悟郎 Goro MORIMOTO
1948年愛知県に生まれる。1971年武蔵野美術大学造形学部美術学科卒業。1972年同専攻科修了。小学校から大学までの教職を経て、1994年から2014年3月末日まで中京大学アートギャラリーキュレーター。展評、作品解説、作家論など多数。
葉栗剛
1. 〈男気〉 《祭りより・・・》
‘Otokogi (Chivalry)’ "“From a Matsuri(Festival)..."
木彫（寄木つくり）楠木、彩色
H210.0cm
2013 Signed
葉栗剛
7. 《張順》
歌川国芳画「通俗水滸伝豪傑百八人之一人 浪裡白跳張順」より
"Chojun (Zhang Shun)"
from Kuniyoshi Utagawa's "Zhang Shun in the white streak of waves - from One of the One Hundred and Eight Heroes of the opular Suikoden"
木彫 楠木、彩色
H39.0cm
2014 Signed
---------------------------
"Haguri's Work" Goro MORIMOTO
Blessed with ample supplies of high-quality wood, Japan has developed for itself a unique culture of woodcarving, that has no parallel anywhere else in the world. Of course, sculptures made from stone, clay, dry lacquer, metal, porcelain, terracotta, and, in recent years, synthetic resin, are far from uncommon. Yet, from ancient time right through until the present, the great majority of Japanese sculpture has been made of wood—particularly sculptures of Buddhas. As a sculptor who works exclusively in wood, Takeshi Haguri is continuing this tradition.
The earliest of Haguri's work I am familiar with is his 'Musicians' series(fig.1) from the early 1990s. The musicians are carved in a modern, popular style, and have a cheerful energy to them. Toward the latter half of the 1990s, Haguri began working on a series depicting the delinquent youths known in Japan as ’Yankees’(fig.2). This time, the figures—motorcycle gang members brandishing wooden swords, or men squatting slovenly for a smoke—have a somewhat more carefree air than the musicians, but they are still not desperately serious in feel. Crossing over into the 2000s, Haguri upped his game to tackle gangsters and members of the yakuza(fig.3) as part of his 'Outlaws' series(fig.4), and here the frowning men have a distinct darkness hanging over them. It was around that time that tattoos made an appearance in Haguri's work. Interestingly, two years after that, the artist started to look to Buddhist subject matter as inspiration for sculptures such as his rendition of the lantern-bearing Tentoki devil from Kofuku-ji Temple—though this was definitely not an attempt to compensate for the tattoos. Into the 2010s, and the tattoos now also appear on the bodies of those carrying the portable mikoshi shrines at matsuri, or festivals. The tattoos are created by Haguri's apprentice and assistant, Miki Nagasaki—whose own works, it is worth noting here, also merit attention.
Both the 'Outlaws' and the 'Matsuri' series are still ongoing, but in 2013 Haguri also began creating sculptures that take figures appearing in works of art from the Edo period (1603-1867), such as Soga Shohaku's The Daoist Immortal Li Tieguai (fig.5)(Museum of Fine Arts, Boston Collection) and Kuniyoshi Utagawa's Lu Zhishen from his One Hundred and Eight Heroes of the Popular Suikoden, and bring them into three dimensions. Although techniques have differed between the East and the West, the fundamental concern of painting has been to develop a host of techniques so as to better recreate three-dimensional reality on a flat surface. Haguri's idea, though admittedly not his originally, is to reverse this process. The task calls for the ability to imagine with clarity the reverse and side-on views of people who appear only from the front in the picture.
Regardless of the transitions in the subjects he chooses to depict, the thing that all Haguri's works have in common is a popular sensibility, underwritten by an uncomplicated sense of fun. For Haguri, who is always pushing the envelope of what is possible for woodcarving, looking for new themes is a natural process, and each time the subject he alights on seems more troublesome than the last.
It is part of Haguri's way of working not to make sketches, plans or maquettes before he begins carving. So long as the concept for the piece has taken shape within his mind, he is able to begin working. This is one of the reasons why the artist produces pieces so quickly. However, his idea for the work needs to develop properly before this is possible, and this maturation process can apparently take quite a long time. When I look at Haguri's work, I always wonder what on earth goes on inside his head to enable him to create such things out of the blue, without the aid of any visual props such as maquettes or plans. After trying out various theories, the very abstract conclusion that I have come to is that, while the artist is allowing the image to mature in his mind, the 'outlaws' he has spotted around town and the pictures he has seen undergo a process that we might call 'Hagurization', whereby they take on a new form, and then simply wait to be expressed as output. The creation process is the same for Haguri whether it results from a consideration of others' works or from his observation of real people.
Haguri's does not carve his figures from a single tree trunk, as this inevitably limits the size of the work that can be produced. Instead, he uses the yosegi technique devised in the 11th century by the Buddhist sculptor Jocho, where the sculpture is carved from a number of woodblocks joined together. Carving a single figure from multiple pieces of wood in this way means that the size of the work is not restricted by the height and girth of the individual trees used. Moreover, the yosegi technique produces sculptures that are both relatively lightweight and durable, and it is suitable for creating sculptures depicting movement, giving Haguri the freedom to create a range of works, from small-scale pieces to towering figures over two meters tall. However, this method of working demands the conceptual capacities of an architect, both structurally and a mechanically speaking, as the sculptor must think about how to put the different pieces of wood together in order to create the whole. Amazingly, Haguri accomplishes this feat in his head, while working through and resolving the image for himself. One of the key features of the yosegi technique is that wood can also be added to the sculpture, not merely carved away, in much the same way as one making a sculpture from clay can add pieces to a central core. It is difficult to know just how much this freedom of creation contributes to the force and movement we see in Haguri's sculptures.
Takeshi Haguri is a sculptor who uses the traditional techniques of Japanese wood carving, and yet he is also a sculptor who manages to approach the act of creation with a free mind, rather than being taken prisoner by traditional forms of expression. This is crucial, because it is thanks to this that he has established what we might call 'genre sculpture'. It seems highly likely that Haguri's recent venturing toward the world of ukiyo-e, the genre pictures of the Edo period, ensues from a perceived similarity in purpose: that of recording the culture of the times, even if the 'times' in question are utterly different. Haguri's works affirm the joy and the nobleness to be found in the popular form of contemporary representation that is genre art.
（Translated by Polly BARTON）
Goro MORIMOTO
Born 1948 in Aichi, Japan. Graduated from the department of art in the faculty of design at Musashino Art University in 1971. In 1972, graduated from the graduate school of art and design. After working as a teacher from elementary schools to universities, he worked as a curator at Chukyo University between 1994 to March 2014. Author of numerous exhibition reviews, commentaries and artist theories.
◆ときの忘れものは2014年5月14日[水]―5月31日[土]「葉栗剛展」を開催しています（＊会期中無休）。
名古屋で活動をしている木彫作家・葉栗剛による彫刻展を開催します。本展では、2体の大作〈男気〉シリーズを中心に、7点の木彫作品をご覧いただきます。ときの忘れものでは初めての個展となります。5月14日(水)、17日(土)、18日(日)、19日(月)、29日(木)、30日(金)、31日(土)は葉栗さんが在廊しておりますので、是非お出かけ下さい。
●カタログのご案内
『葉栗剛展』カタログときの忘れもの 発行
2014年
25.7x18.3cm 16P
執筆：森本悟郎
本体価格864円（税込） 送料別途250円
●イベントのご案内
5月17日（土）17時より葉栗剛さんと森本悟郎さん(表現研究・批評)を迎えてギャラリートークを行ないます。
※要予約（会費1,000円）お申込はメールまたは電話でどうぞ。
※必ず「件名」「お名前」「連絡先（住所）」を明記の上、お申込ください。
info@tokinowasuremono.com
トーク終了後の18時より開催するレセプション(予約不要）にはどなたでも参加できますので、お誘いあわせのうえお出かけください。
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